Seratus meter atau lebih tenggara dari Globe Theatre baru adalah tempat kosong yang dikelilingi oleh pagar besi bergelombang yang ditandai dengan plak gangsa sebagai lokasi Teater Globe yang asli pada tahun 1599. Sedikit lebih dekat dengan Globe baru, seseorang dapat mengintip melalui tingkap celah kotor ke ruang remang-remang di ruang bawah tanah bangunan pejabat baru, di sebelah London Bridge, di mana kira-kira dua pertiga daripada asas Teater Elizabethan Rose hampir tidak dapat dibuat. Sedikit lebih jauh ke arah barat, Globe baru naik di tebing, menegaskan pengetahuan pasti tentang teater William Shakespeare dan patut mendapat pujian kerana melakukannya; tetapi kesukaran untuk melihat teater-teater terdahulu dalam bayang-bayang masa lalu lebih baik menunjukkan pemahaman kita tentang persembahan di teater Shakespeare.
Gaya lakonan — realistik atau melodramatik — tetapan pentas, alat peraga dan jentera, permainan pedang, kostum, kelajuan penyampaian garis, panjang persembahan, pintu masuk dan keluar, budak lelaki memainkan peranan wanita, dan perincian prestasi lain tetap bermasalah. Bahkan penonton — gaduh, kelas menengah, atau intelektual — sukar dilihat dengan jelas. Para cendekiawan telah menentukan sesuatu yang tepat, tetapi tidak cukup, dan, sementara para sejarawan meneruskan penyelidikan yang gigih, rasa Shakespeare umum terbaik di teaternya masih berasal dari drama kecil yang dimainkannya selama berabad-abad beri kami rasa persembahan di teater Elizabethan.
Main dalaman sering muncul dalam drama awal The Taming of the Shrew , Love's Labour's Lost , dan A Midsummer Night's Dream . Menjinakkan perempuan jahat, sebagai contoh, adalah tur de force teater, yang terdiri daripada drama yang disusun dalam drama dan pelakon yang menonton pelakon lain bertindak, yang nampaknya meluas hingga tak terhingga. Seluruh dunia adalah pentas di Padua, di mana teater adalah gambaran kehidupan yang sebenarnya. Dalam permainan luar, Christopher Sly yang mabuk dibawa keluar dari lumpur oleh tuan yang kaya dan dibawa ke rumahnya. Sedikit kepura-puraan diatur, semata-mata untuk hiburan, dan ketika Sly terjaga dia mendapati dirinya berada di persekitaran yang kaya, disebut sebagai bangsawan, dipatuhi dalam setiap keinginannya, dan ditunggu oleh seorang isteri yang cantik. Pada ketika ini pemain profesional muncul, untuk memberikan hiburan. Mereka disambut dengan mesra dan diberi makan, dan kemudian mereka bermain di hadapan Sly mengenai penjinakan Kate yang kacau.
Shakespeare mencatat masalah bermain dan penonton dengan lebih terperinci dalam Dream A Midsummer Night's . Tidak ada pemain yang boleh menjadi lebih putus asa daripada Nick Bottom, penenun, dan rakan-rakan amaturnya, yang, dengan harapan memenangi pencen kecil, melakukan permainan dalaman, Pyramus dan Thisbe, untuk meraikan perkahwinan tiga kali ganda Duke Theseus dan dua orang istana. Syarikat bawah sangat berfikiran harfiah sehingga mengharuskan bulan benar-benar bersinar, sehingga dinding di mana Pyramus dan Thisbe berbicara dengan tegas di sana, dan bahawa pelakon yang memainkan singa memberi jaminan kepada para wanita di khalayak bahawa dia hanya seorang- percaya singa. Literalisme yang terletak di sebalik konsep teater materialistik bertentangan dengan drama puitis Shakespeare yang mencipta sebahagian besar khayalannya dengan kata-kata, kostum yang kaya, dan beberapa alat peraga. Dalam hal lain juga, kata-kata pelakon yang tersinggung, isyarat yang tidak terjawab, kata-kata dan kalimat yang tidak betul, kesediaan untuk berkomunikasi secara langsung dengan penonton, ayat doggerel, dan ketidaksetiaan umum merupakan mimpi buruk drama dramatis ilusi dramatis yang diinjak menjadi omong kosong.
Penonton yang sopan di Pyramus dan Thisbe secara sosial lebih unggul daripada para pelakon tetapi sedikit lebih canggih mengenai apa yang menjadikan sebuah karya berfungsi. Sang duke memang memahami bahawa, walaupun drama ini mungkin, seperti yang dijodohkan oleh Hippolyta, "perkara paling menggila" yang pernah didengarnya, ia berada dalam kekuatan penonton yang ramah untuk memperbaikinya, kerana pelakon terbaik "hanyalah bayangan; dan yang terburuk tidak akan menjadi lebih buruk, jika imaginasi mengubahnya. " Tetapi para bangsawan di khalayak mempunyai sedikit khayalan khalayak yang diperlukan. Mereka mengejek pelakon dan bercakap dengan kuat di antara mereka semasa persembahan. Mereka berpikiran literal dengan cara mereka sendiri seperti para pelakon, dan, seolah-olah tidak menyedari bahawa mereka juga adalah pelakon yang duduk di atas panggung, mereka menertawakan apa yang tidak realistik dan remeh semua permainan dan pemain.
Keperluan untuk "persembahan simbolik," yang secara tidak langsung dipertahankan dalam pertunjukan awal ini dengan menunjukkan kebalikan yang terlalu realistik, dijelaskan dan secara langsung meminta maaf dalam Henry V , yang ditulis sekitar tahun 1599, di mana seorang Chorus berbicara untuk "penulis lentur" dan karyanya pelakon yang "memaksa bermain" di "perancah yang tidak layak," di panggung "kayu O." Globe Di sini "masa, ... bilangan, dan hal-hal yang wajar, / ... tidak boleh dalam kehidupan mereka yang besar dan tepat / Jadilah ... dipersembahkan" oleh pemain dan penulis drama yang mesti dihindari "di ruang kecil [mengurung] orang perkasa."
Di Hamlet ( sekitar 1599-1601) Shakespeare menawarkan gambarannya yang paling terperinci mengenai persembahan teater. Di sini kumpulan repertory profesional, mirip dengan Chamberlain's milik Shakespeare sendiri, datang ke Elsinore dan membuat The Murder of Gonzagodi hadapan mahkamah Denmark. Sebaik sahaja tiba di istana Denmark, para pemain adalah pelayan, dan status sosial mereka yang rendah menentukan perlakuan mereka oleh dewan raja, Polonius; tetapi Hamlet menyapa mereka dengan ramah: “Anda dipersilakan, tuan; selamat datang, semua. Saya gembira melihat anda dengan baik. Selamat datang, kawan baik. " Dia bercanda dengan anak lelaki yang memainkan peranan wanita mengenai suaranya yang semakin mendalam, yang akan mengakhiri kemampuannya untuk memainkan peranan ini, dan memusingkan salah satu pemain yang lebih muda tentang janggutnya yang baru: "Wahai kawan lama! Kenapa, wajahmu kelihatan bersih sejak aku melihatmu terakhir. Adakah engkau akan berjanggut di Denmark? " Hamlet adalah penggemar teater, seperti salah seorang tuan muda atau pengacara muda dari Inns of Court yang duduk di atas panggung atau di kotak galeri di atas panggung di pawagam London dan berkomentar keras dan cerdas mengenai aksi itu.Seperti mereka juga, dia mengetahui standard estetika neoklasik terkini dan memandang rendah tentang apa yang dianggapnya sebagai kekasaran dari teater popular: tragedi yang mengasyikkan, gaya lakonan melodramatik, bahagian "untuk merobek kucing," ayat kosong bombastik, "pertunjukan bodoh yang tidak dapat dijelaskan, "Badut vulgar yang terlalu banyak berimprovisasi, dan penonton kasar" groundlings "yang menonton drama dari lubang. Pangeran memiliki pandangan yang tinggi untuk bertindak - "Sesuai tindakan dengan kata, kata untuk tindakan, ... jangan melampaui kerendahan hati" - dan pembinaan permainan - "dicerna dengan baik dalam adegan, diturunkan dengan banyak kesopanan sebagai licik. ""Badut vulgar yang terlalu banyak berimprovisasi, dan penonton kasar" groundlings "yang menonton pertunjukan dari lubang. Pangeran memiliki pandangan yang tinggi untuk bertindak - "Sesuai tindakan dengan kata, kata untuk tindakan, ... jangan melampaui kerendahan hati" - dan konstruksi permainan - "dicerna dengan baik dalam adegan, diturunkan dengan banyak kesopanan sebagai licik. ""Badut vulgar yang terlalu banyak berimprovisasi, dan penonton kasar" groundlings "yang menonton pertunjukan dari lubang. Pangeran memiliki pandangan yang tinggi untuk bertindak - "Sesuai tindakan dengan kata, kata untuk tindakan, ... jangan melampaui kerendahan hati" - dan pembinaan permainan - "dicerna dengan baik dalam adegan, diturunkan dengan banyak kesopanan sebagai licik. "
Para pemain gagal memenuhi standard neoklasik Hamlet dalam gaya lakonan dan lakonan mereka. Pembunuhan Gonzago adalah tragedi kuno, retorik, bombastik, disusun seperti permainan moral, dimulai dengan pertunjukan bodoh dan dipenuhi dengan pidato formal yang kaku. Tetapi drama itu "tetap menjadi cermin yang tepat hingga ke alam semula jadi, untuk menunjukkan keutamaannya, mencemuh gambarnya sendiri, dan usia dan badan pada masa itu bentuk dan tekanannya." Pembunuhan Gonzago , untuk semua kekasaran artistiknya, mengungkapkan penyakit tersembunyi dari Denmark, pembunuhan raja lama oleh saudaranya.
Tetapi kesan kepada penonton kebenaran teater ini bukanlah yang diharapkan oleh Hamlet atau Shakespeare. Gertrude gagal melihat, atau mengabaikan, cermin ketidaksetiaannya sendiri yang dipegangnya oleh ratu pemain: "Wanita itu terlalu banyak memprotes, merenung." Claudius, menyedari kejahatannya diketahui, segera merancang untuk membunuh Hamlet. Malah Hamlet pengkritik adalah pendengar yang tidak baik. Semasa persembahan, dia membuat ucapan keras kepada anggota penonton yang lain, mengumpan para pelakon, mengkritik drama itu, dan melewatkan titik utamanya mengenai perlunya menerima ketidaksempurnaan dunia dan diri sendiri.
Persembahan dalam lakonan dalaman ini selalu tidak memuaskan dalam beberapa aspek, dan penonton mesti sebahagian besarnya membaca pandangan Shakespeare sendiri mengenai perkara-perkara teater di sebalik tahap cermin ini. Menjelang akhir kariernya, Shakespeare mempersembahkan teater ideal ilusi mutlak, pelakon yang sempurna, dan penonton yang menerima. Dalam Tempoh ( c.1611), Prospero, yang tinggal di sebuah pulau lautan yang misterius, adalah seorang penyihir yang seninya terdiri dari mengadakan ilusi penebusan: ribut dan kapal karam, jamuan kiasan, "tempat tayang hidup," topeng perkahwinan, meja moral, lagu-lagu misteri, dan kepingan lambang . Semua "playlet" ini memiliki efek yang diinginkan pada sebagian besar penonton mereka, membawa mereka ke pengakuan atas kejahatan, pertobatan, dan pengampunan. Di Ariel, semangat suka-suka dan suka bermain, dan "rabble" -nya "rekan-rekan jahat", akhirnya penulis drama itu menemukan pelakon yang sempurna yang menjalankan perintahnya dengan cepat, mengambil bentuk yang diinginkan dalam sekejap. Pemain terhebat Prospero adalah "topeng Juno dan Ceres" -nya, yang dipentaskannya sebagai perayaan pertunangan untuk puterinya dan Putera Ferdinand. Topeng itu memberitahu para pencinta muda tentang pelbagai, tenaga,dan berbuah dunia dan meyakinkan mereka bahawa perkara-perkara ini akan menjadi milik mereka untuk dinikmati dalam perkahwinan mereka.
Tetapi keraguan lama Shakespeare mengenai drama, teater, pemain, dan penonton masih tidak dibungkam. Masker Prospero dipecahkan oleh sekumpulan orang yang mabuk, dan dia, seperti beberapa penyair abad pertengahan yang menulis palinodenya, menyinggung "sihir kasarnya", memecah dan menguburkan pekerjanya, dan menenggelamkan bukunya "lebih dalam daripada yang pernah terdengar." Topeng yang hebat itu hanya disebut sebagai "kesombongan seni lombong saya", dan, ketika pertunjukan selesai, para pelakon dan drama, seberapa luar biasa mereka seketika, hilang selamanya, "meleleh ke udara, ke udara nipis. "
Untuk melihat teater Elizabeth melalui lakonan dalaman Shakespeare adalah, seperti yang disarankan oleh Polonius, "secara tidak langsung mencari jalan keluar." Jarang diambil secara langsung, permainan dalaman ini tetap menunjukkan aspek persembahan yang selalu menarik perhatian Shakespeare. Pelakon profesionalnya sendiri tidak semestinya kasar seperti pemain amatur Bottom, dan lakonannya tidak begitu kuno seperti The Murder of Gonzago. Dan dia mungkin tidak pernah menemui pelakon yang begitu baik dan akrab seperti Ariel dan sekumpulan arwah. Tetapi, ketika dia menggambarkan pemainnya, pentasnya, dan penontonnya secara ironis, dia selalu kembali ke masalah prestasi yang sama. Adakah pemain berprestasi buruk? Sejauh mana realistiknya pentas? Adakah penonton mendengar dan melihat lakonan itu dengan semangat khayalan yang tepat, dan apakah itu mendorong mereka menuju semacam reformasi moral? Adakah lakonan disatukan dengan cara yang berkesan? Kadang-kadang penyair meminta maaf atas perlunya ilusi di pentasnya yang kosong, seperti juga Chorus dalam Henry V ; kadang-kadang dia tertawa melihat realisme yang berlebihan, seperti di Piramus dan Thisbe; kadang-kadang dia meratapi berlakunya ilusi teater seperti yang dilakukan oleh Prospero; dan kadang-kadang dia mengolok-olok penontonnya kerana gagal memasuki realiti buatan imaginasi kreatif. Tetapi semua komennya yang miring mengenai persembahan di teaternya menunjukkan persembahan yang agak kasar dan terbatas di panggung yang sebenarnya berbeza dengan kekuatan imajinasi, dalam kata-kata penulis drama dan penerimaan penonton, untuk mewujudkan pemahaman dan pertumbuhan semula moral melalui ilusi.
